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Avez-vous une question brûlante sur Broadway ? Vous êtes curieux d'en savoir plus sur un fait obscur de Broadway ? L'historienne du théâtre et auto-proclamée passionnée de théâtre Jennifer Ashley Tepper est là pour vous aider avec Broadway Deep Dive. BroadwayWorld accepte des questions de fans de théâtre comme vous. Si vous avez de la chance, votre question pourrait être sélectionnée comme sujet de sa prochaine chronique !
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À l'approche de la première mondiale de la nouvelle comédie musicale de Jennifer Nettles, Giulia : La Reine du Poison de Palerme, Andrew Kober réfléchit au processus de répétition, à ses 10 spectacles de Broadway commençant par la revival tant aimée de Hair et à ses performances dans cinq productions musicales—de La Reine de Versailles à The Wild Party—en une seule saison à NYC.
Parlez-nous de Giulia : La Reine du Poison de Palerme. De quoi parle ce spectacle, quel est votre rôle et ai-je bien prononcé le titre ?
Vous l'avez parfaitement fait… même si entendre des erreurs de prononciation a été l'un des grands plaisirs d'être dans Giulia : La Reine du Poison de Palerme.
C'est une incroyable histoire vraie sur une femme nommée Giulia Tofana au XVIIe siècle à Palerme, en Italie. C'est une histoire sur l'autonomisation des femmes, écrite par et mettant en vedette Jennifer Nettles, que je ne connaissais pas vraiment auparavant. Je connaissais son nom et je me souvenais qu'elle avait joué dans Waitress. C'était mon principal point de contact avec Jennifer Nettles.
C'est l'une des meilleures partitions que j'ai jamais entendues pour le théâtre musical, et c'est l'un des meilleurs groupes de chanteurs auxquels j'ai jamais participé. Je n'arrive pas à croire à quel point ce matériel est excitant. C'est une histoire vraie et palpitante.
Je joue divers types peu recommandables traînant à Palerme. Mon personnage principal est Pietro, mais [je joue] ce que ma femme appelle une piste Andrew Kober, en ce sens que je joue plusieurs types différents qui apparaissent avec un chapeau ou une voix légèrement différente. C'est une pièce passionnante et je suis tellement excité d'en faire partie.
Je ne suis jamais allé au PAC au centre-ville, donc je suis impatient de m'y installer. Nous commençons la technique la semaine prochaine, ce qui sera vraiment excitant. J'ai entendu dire que c'était juste un espace incroyable.
C'est tellement nouveau ! Quelle chance de faire un spectacle là-bas alors qu'il est tout juste au début de son existence.
Absolument. Il est honteux que je sois à New York et dans ses environs depuis [environ] 20 ans et que je n'ai passé presque aucun temps en dessous de la 14e rue. Je n'ai que rarement eu l'occasion de le faire, donc je suis ravi de découvrir une partie de la ville avec laquelle je n'ai pas passé beaucoup de temps. Cela va aussi être amusant pour moi.
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Puisque vous n'étiez pas familier avec [le travail de Jennifer Nettles] auparavant, avez-vous approfondi ses chansons depuis que vous avez été engagé ?
Très minutieusement, oui. J'ai essayé de rester cool à ce sujet parce que [c'est] ma nouvelle patronne et collègue et je ne veux pas trop plonger dans un trou de fan. Je veux essayer de rester décontracté lors des répétitions. Mais sa musique est tellement excitante. C'est si mélodique. Les choses qu'elle a écrites pour Giulia sont assez différentes de ses autres travaux pop, country, rock, soul, folk ou world. C'est une partition de théâtre musical contemporain avec des chansons qui racontent activement l'histoire d'une manière riche que je pense ne pourrait vraiment être servie que par le théâtre musical.
Et autant que je sois devenu fan de son écriture, je suis tout autant fan de son interprétation. Elle est authentique en tant que chanteuse et actrice. Elle porte certainement beaucoup de poids dans cette comédie musicale, mais pas seule. Tout le monde a beaucoup à faire. Donc oui, je suis devenu le plus grand fan mondial de Jennifer Nettles.
Audition, la première fois où cela s'est présenté, j'étais en train de faire La Reine de Versailles. Pensez à toi pour La Reine de Versailles. J'ai mentionné [mon audition] à Kristin Chenoweth et elle a dit : "Jen est la meilleure, tu vas l'adorer ! Je vais lui envoyer un texto tout de suite et lui dire : Tu dois travailler avec mon ami, Kober." Qu'elle l'ait fait ou non, et si ça avait quelque chose à voir avec quoi que ce soit, je ne le sais pas, mais elle avait raison : Jen est une perle, et apprendre à la connaître a été un plaisir.
Je suis tellement impatient de voir ça. En tant que passionné de théâtre, mon point d'entrée pour apprendre sur [la plupart des artistes populaires] est généralement une comédie musicale à laquelle ils participent. Donc je suis excité d'explorer davantage son travail, comme vous l'avez fait.
C'est toujours une excuse pour moi d'apprendre quelque chose que le monde réel connaît. [Une nouvelle comédie musicale comme celle-ci] est un bon point de référence pour des gens comme vous et moi pour nous aventurer dans ce que tout le monde a écouté pendant que nous avons vu The Jellicle Ball.
Totalement. Le processus a-t-il impliqué des recherches sur la période historique dans laquelle le spectacle se déroule ?
Oui. Nous plaçons le spectacle clairement à l'époque où il est situé. Cela [implique] des événements et des personnes historiques, principalement. Donc le contexte physique de la pièce est vraiment l'Italie des années 1600, ce qui a nécessité pas mal de recherche. Mon personnage est fictif, donc cela n'a pas nécessité beaucoup de recherche de ce côté-là. La musique est un théâtre musical contemporain d'une manière qui est palpitante. [Au cours] des premiers jours [de répétition], nous avons beaucoup parlé de trouver notre chemin d'une [période de temps] à l'autre, trouvant un moyen de combler ces lacunes. C'est évidemment quelque chose qui a été fait dans le théâtre musical, mais quand c'est fait avec succès, c'est comme lorsqu'on traduit un joli roman à l'origine écrit dans une autre langue en anglais. Un grand traducteur peut faire chanter une histoire.
Je parle plutôt bien français. Je pourrais lire Les Mis en français, et ce serait un défi et cela me prendrait des mois. Au lieu de cela, je lis une bonne traduction anglaise, et parce que c'est dans une langue avec laquelle je suis plus à l'aise, l'histoire m'est révélée d'une manière qui autrement ne l'aurait pas forcément été. C'est ainsi que cela me semble. Pourrions-nous [raconter cette histoire] en chanson italienne baroque ? Définitivement. Et il y a des références musicales et chorégraphiques à cela. Mais c'est une partition de théâtre musical contemporain d'une manière qui, je pense, rend la narration et l'intention et le personnage très clairs pour le public, ce qui est super.
Pouvez-vous parler davantage de vos camarades de casting ? Y a-t-il quelqu'un avec qui vous avez déjà travaillé ou quelqu'un avec qui vous avez toujours voulu travailler ? Comment la collaboration dans le casting s'est-elle passée ?
Oui ! Je suis dans une position très chanceuse d'avoir été dans ce métier depuis 20 ans, donc entrer dans une salle où je ne connais vraiment personne est assez inhabituel pour moi à ce stade. Il y avait quelques personnes que je connaissais un peu le premier jour, mais c'est ma première fois travaillant avec tout le monde dans ce casting dans une vraie production !
La seule personne que je connaissais un peu avant était Quentin Earl Darrington, que je pense être l'un des talents les plus passionnants aujourd'hui et qui commence juste à gravir l'énorme montagne de fleurs qui va tomber devant lui. Nous avons fait un travail de développement sur ce spectacle, 3 Summers of Lincoln, [où] il a joué Frederick Douglass. Il est absolument captivant dans ce spectacle, donc j'ai été un de ses fans tout au long du développement de celui-ci. Il fait un travail incroyable dans celui-ci. Tout le casting aussi.
Au cours des dernières années, j'ai en quelque sorte transitionné d'être le plus âgé des jeunes dans le casting au plus jeune des vieux dans le casting, ce qui est cool et tout à fait bon pour moi. Le revers de cela est que je rencontre beaucoup de jeunes talents qui se connaissent à peu près mais dont je n'ai pas été exposé beaucoup.
Tout ce casting est constitué de vrais vocalistes, de vrais danseurs—moi y compris—que je n'avais pas eu la chance de connaître avant, donc je deviens fan au fur et à mesure que nous avançons.
L'exception d'une personne que j'étais un fan sans avoir de connexion personnelle était Mary Zimmerman, notre directrice. Mary est une légende depuis des années. C'est quelqu'un dont je lisais littéralement les productions dans les livres de texte à l'université. Sa production de Metamorphoses est l'une des pièces les plus emblématiques jamais produites. Donc le Mary Zimmerman de tout cela était un peu intimidant pour moi au début, en tant que fan de son travail. Je m'y suis approché avec un peu de crainte, comme : suis-je prêt à être dans un spectacle de Mary Zimmerman ? Il s'avère qu'elle est extrêmement accessible, ouverte et chaleureuse d'une manière qui ne devrait en aucun cas m'être surprenante. C'était passionnant d'être dans la salle avec elle et de voir comment elle travaille là-dessus. Son travail est vraiment excitant sur ça.
Nous devons donc parler de cette saison folle que vous avez eue. Dites-moi si je manque quelque chose ici. Vous avez terminé votre parcours dans Gypsy à Broadway. Vous avez ouvert une nouvelle comédie musicale à Broadway : La Reine de Versailles. Vous avez fait à la fois High Spirits et The Wild Party au Encores! Puis vous avez commencé les répétitions pour une nouvelle comédie musicale, Giulia : La Reine du Poison de Palerme, en dehors de Broadway. Ai-je raté des ateliers et des lectures ? C'est une année folle !
Vous avez certainement raté des ateliers et des lectures. C'est l'un de ces trucs où je me sens comme si j'avais eu tellement de temps libre. Je ne me sens jamais si occupé sauf quand je suis en répétition pour un projet. Mais quand vous devez écrire une biographie pour un programme, vous regardez [vos crédits et pensez] : wow, ça a l'air d'une carrière ! Quand vous le dites tout d'un coup, ça sonne comme une année vraiment chargée.
Je pense que vous pourriez être l'acteur qui a fait le plus de productions de nouvelles comédies musicales au cours de l'année écoulée à New York. Honnêtement, c'est beaucoup de spectacles !
C'est une sorte de distinction douteuse. J'avais prévu d'être juste dans un seul pendant toute l'année. C'est ainsi que cela s'est déroulé. Je suis vraiment heureux et chanceux que ça ait été [de cette manière] [mais] ce que je désire plus que tout autre chose, en partie [en raison de] l'âge, c'est la stabilité, qui est quelque chose de complètement inaccessible pour moi à ce point de ma carrière. Certains acteurs parviennent à le trouver. Je n'ai jamais fait de longs runs. Je pense que j'ai fait presque deux ans dans Les Mis, mais même ça c'était il y a 12 ans ou quelque chose comme ça. Si je pouvais décrocher le rôle du Docteur Dillamond [dans Wicked] et y rester pendant 20 ans, Dieu sait que je le ferais. Mais en attendant, c'est vraiment excitant de pouvoir développer et être dans la pièce, de créer des choses passionnantes et d'écouter. C'est tout un panorama : revivals et nouvelles comédies musicales, traversant les genres et les styles. Je dois me rappeler cela. Ce sont beaucoup de nouvelles choses que j'ai pu faire cette année.
Vous rappelez également à quiconque qui lit ceci [que] les acteurs sont des héros parce que je pense que Andrew Kober et je suis comme : oh mon dieu, 10 spectacles à Broadway. Et vous dites : non, il y a du temps libre et toutes ces réalités d'être acteur auxquelles les fans de Broadway ne pensent peut-être pas.
C'est quelque chose sur lequel je suis souvent tombé ces derniers temps. Cela fait 20 ans que j'ai obtenu mon diplôme de l'université [et] je viens de faire mon 10ème spectacle à Broadway. Ces jalons semblent valoir la peine d'être réfléchis. Et c'est drôle car je pense beaucoup à mon père. Mon père travaillait pour une entreprise. C'était un homme d'affaires. Il y travaillait, a obtenu une série de promotions puis a fini par prendre sa retraite et ils lui ont offert une montre ou quoi que ce soit. C'est ce à quoi je voyais la vie professionnelle d'un adulte. L'idée de cela est en quelque sorte ancrée.
Une partie en est générationnelle aussi. Je suis un millénaire plus âgé et cela fait partie de ce qui nous a été présenté comme ce à quoi [une carrière] ressemble aussi. Je suis dans ce chemin de carrière maintenant où cela est presque une impossibilité pour quiconque. Il n'y a pas de forme linéaire à une carrière dans les arts pour la plupart des gens, ce qui peut être une bénédiction ou une malédiction.
Michael Arden a cette grande tradition chaque jour en répétition, en ayant un grand cercle. Tout le monde peut partager ce qui leur passe par la tête : j'ai vu ça hier soir, ou je pensais à cela ce matin, quoi que ce soit. Un jour, je suis arrivé et je pensais à l'une de ces dessins d'MC Escher avec les escaliers qui vont dans tous les sens. Je parlais de la façon dont cela me rappelait une carrière d'acteur. Vous grimpez ces escaliers et quand vous arrivez là-haut, vous n'êtes pas vraiment nulle part. Vous êtes en fait plus loin de la chose que vous ne l'étiez la dernière fois. Je me sentais un peu frustré par cela. Et F. Murray Abraham, qui avait alors 85 ans, a dit : "Eh bien, c'est la beauté d'être acteur ! C'est incroyable. Pourquoi quelqu'un voudrait-il quelque chose d'autre ?" Ces deux choses sont vraies. Et c'est utile d'avoir quelqu'un comme vous de temps en temps pour regarder les choses que vous avez faites [comme ça]. Sinon, je pense juste : j'ai un essayage à midi demain, et c'est aussi large qu'une vue que je peux avoir la plupart du temps.
Nous vivons dans cette maison dans le New Jersey et toutes mes affiches de spectacle sont signées et encadrées dans mon sous-sol. Pour mon ego, c'est là qu'elles doivent être. Mais je vais dans le sous-sol, je regarde autour et je pense : oh, c'est chouette. C'est amusant.
C'est un excellent exemple de deux choses étant vraies [en même temps].
C'est le célèbre Gavin Creel dont on parle. Le 'both' de tout ça. C'est le poème qu'ils ont distribué en son mémorial ; nous l'avons sur notre réfrigérateur. C'est le fait que les deux choses peuvent vraiment être entièrement vraies sans minimiser ou nier l'autre. C'est beau et c'est quelque chose dont je suis en conversation active tout le temps.
Y a-t-il quelque chose que vous aimeriez partager sur La Reine de Versailles que vous souhaitez que les gens sachent ? Ou ce que vous espérez pour l'héritage du spectacle ?
Je pense que j'ai été impliqué dans la première lecture de ce spectacle. Il y avait peut-être deux ou trois d'entre nous qui ont parcouru tout cela jusqu'à Broadway. C'était la première et la seule fois dans ma carrière où j'ai pris quelque chose de son stade embryonnaire à Broadway. J'ai été impliqué dans des dizaines—peut-être des centaines—de lectures, d'ateliers ou de projets de développement au fil des ans qui n'ont soit pas atteint Broadway ou nous nous sommes séparés avant cela pour quelque raison. Il y a un million de choses qui peuvent arriver. [Cette fois], c'était la première fois que j'étais dans la pièce dès le premier jour et que j'ai réussi à arriver jusqu'à trois ou quatre ans plus tard—ce qui est probablement assez rapide, évidemment, pour un spectacle de Broadway—à St. James.
Je pense que des personnes raisonnables et intelligentes peuvent avoir des désaccords sur le produit qui s'est retrouvé sur scène. Je ne suis pas intéressé à débattre cela. La chose qui est vraiment importante pour moi—et quand je pense à La Reine de Versailles, la seule chose à laquelle je pense—est à quel point le processus a été joyeux et combien d'intention a été mise dans ce que nous faisions. Une comédie musicale de Broadway est un grand et étrange projet à faire et personne ne sait ce qu'il fait, et tout le monde essaie juste de faire de son mieux. Il y a une raison pour laquelle je ne suis pas un créateur de comédies musicales. Je suis un acteur très heureux. Cela dit, [il y avait] de réelles ambitions avec le spectacle et je suis tellement fier que nous ayons décidé de nous attaquer aux idées que nous avons abordées. Je suis fier de la façon dont nous avons abordé le travail avec ce spectacle.
Certaines personnes l'ont vraiment adoré [et] d'autres l'ont vraiment détesté. Je n'ai jamais vu La Reine de Versailles, donc je n'ai pas à avoir d'opinion à ce sujet ce qui, honnêtement, je suis reconnaissant. La mise en place du spectacle a été faite avec des cœurs ouverts et bons et le fait de le faire a été une expérience très joyeuse. Faire huit spectacles par semaine a été l'un des plus grands plaisirs que j'ai jamais eus. Tout le reste qui est en quelque sorte au-delà de notre contrôle est au-delà de notre contrôle. J'ai appris à trouver la gratitude là où elle est disponible. Et quand je pense au spectacle, je pense à ces cercles que nous avions chaque matin. Je pense à vraiment parler [de] et à lutter avec les idées du spectacle et ce que nous voulions dire et comment nous allions le dire. C'est le genre de travail dont je serai toujours fier d'avoir fait.
De plus, il y a tant de choses à admirer de la part de tant de personnes qui ont travaillé dessus, mais spécifiquement, je suis tellement inspiré par Michael Arden prenant ces énormes risques avec de grandes idées et une grande exécution, et les personnes avec qui il s'entoure. C'est juste un exemple de quelque chose à admirer à propos du spectacle—que ce fut une telle grande prise de risque.
Oui. C'était une grande, ambitieuse, nouvelle comédie musicale américaine, et pour un fan de cette forme—ce que vous savez que je suis, juste à côté de vous—quand votre agent appelle et dit, "Kristin Chenoweth et Michael Arden et Stephen Schwartz…,” vous libérez votre emploi du temps ! Vous faites tout ce que vous devez faire pour être dans cette pièce. Et au fil des nombreuses années, j'ai laissé passer de nombreuses autres opportunités pour rester dans cette pièce. Beaucoup de ces opportunités, dans un sens commercial, auraient porté plus de fruits. Mais je suis si fier du fait que [j'ai fait partie de La Reine de Versailles].
Je dis toujours aux étudiants qu'il est beaucoup plus difficile de ne pas être la première personne à jouer un rôle. Je n'ai [que] originé des rôles que quelques fois et être la première personne est incroyable. Il y a cette chanson, "Mrs. Florida" que j'ai pu chanter dans le spectacle et les paroles sont formulées comme ça parce que c'est comme ça que je suis drôle. La clé est réglée là où elle doit être parce que c'est la bonne clé pour moi. C'est incroyable. J'ai une copie signée de la partition dans mon sous-sol de Stephen Schwartz d'une chanson que j'ai débordée à Broadway. C'est du matériel de rêve devenu réalité, en dépit de la déception commerciale du spectacle. C'est l'expérience que, lorsque vous dites "Je veux être un acteur de théâtre musical" quand vous avez 16 ans, vous rêvez.
Je ne sais pas si vous avez trouvé cela aussi, lorsque vous travaillez avec des étudiants, mais l'une des choses les plus émouvantes est qu'un étudiant apporte quelque chose d'une nouvelle comédie musicale et pendant ce temps, il peut reconnaître : oh, c'est écrit comme ça, ou joué comme ça, à cause de [mon ami qui l'a écrit ou l'a originé]. C'est si émouvant de voir des étudiants devenir inspirés par les originaux lorsque vous connaissez réellement les personnes qui l'ont fait—ou dans ce cas, vous êtes les personnes !
Exactement. J'ai assisté à de nombreuses productions de deux spectacles auxquels j'ai participé, Beetlejuice et Alice by Heart. Ils sont extrêmement populaires dans les écoles et je vais souvent dans des écoles travaillant sur ces spectacles. Pouvoir voir un garçon traverser une blague qui contient tout l'ADN d'Alex [Brightman] ! Ou entendre un enfant faire l'inflexion que j'ai faite sur l'album de la distribution ! Je [puis] peux lui dire : "Vous n'avez pas à [le faire de cette manière], c'est juste comme ça que je l'ai fait une fois." Il dit : "Oh, vous l'avez fait sur le bootleg aussi." Je suis comme, "Vous n'êtes pas censé me parler au sujet de..."
C'est incroyablement joyeux. Avoir un peu de vous-même dans quelque chose qui se poursuit dans la perpétuité est une vraie surprise parce que le théâtre est nécessairement de la poussière dans le vent. Quand quelque chose réussit à avoir l'air un peu permanent d'une certaine manière, c'est incroyable.
Je veux vous demander à propos de votre Broadway dans Hair parce que ce casting revival a eu une amitié continue si spéciale. Quelle a été votre expérience de grandir dans la communauté avec ce beau groupe de personnes ? Et aussi pouvons-nous parler de la victoire de Tony de Caissie Levy ?!
C'est tout ce que je veux parler le reste de ma vie ! Pour être clair, nous parlons quatre jours après la victoire tardive de Caissie Levy en tant que meilleure actrice dans une comédie musicale.
Hair a été le premier trou à remplir pour presque tous. C'était [le] premier [quelque chose] de presque tout le monde impliqué. La plupart d'entre nous qui avons terminé dans la production de Broadway avons commencé deux ans auparavant avec la production au Delacorte dans le parc et cela a continué à croître. Nous avions toujours l'habitude de dire : les cheveux poussent. C'était trois nuits dans le parc, puis deux mois dans le parc, puis un an à Broadway, puis ça a été à l'Ouest-End, puis beaucoup d'entre nous sont partis en tournée. C'est devenu quelque chose qui continuait à arriver, ce qui était incroyable.
Il y avait 32 d'entre nous dans le casting et je pense que 25 de nos débuts à Broadway. C'était un nombre fou. Les gens qui avaient un peu plus d'expérience—Caissie, Gavin, Will—continuaient à nous dire : ce n'est pas [toujours] comme ça. Et nous étions tous : bien sûr, bien sûr. Et ils avaient bien sûr raison. Les choses que nous avons pu nous permettre étaient incroyables. C'était aussi un peu injuste d'une certaine manière que ma première fois ait été un succès, tant critique que populaire. Nous avons gagné le [Tony]. Ça ne pouvait que prendre de l'ampleur. C'était seulement joyeux de le faire huit fois par semaine.
Et il y a quelque chose à propos de ce spectacle. Demandez à quiconque ayant jamais fait une production LORT Q de Hair pendant deux semaines en août. Votre tribu est votre tribu. C'est votre peuple.
C'est de loin le groupe le plus actif sur mon fil de téléphone à ce jour. La [production] a été inaugurée à Broadway il y a 17 ans et c'est le plus [actif]—surtout ce week-end avec Caissie gagnant, oh mon dieu. Également dans le casting de Ragtime se trouve Briana Carlson-Goodman, qui était l'un de nos swings dans la compagnie Broadway [de Hair]. Tommar Wilson et Michael James Scott [de Hair] étaient là se produisant avec Book of Mormon. Il y avait plein de gens de Hair aux Tonys !
À ce stade, nous avons vu des enfants naître et aller à l'université. Nous avons vu des mariages. Nous avons maintenant vu d'incroyables pertes. Ce groupe est notre famille. Nous sommes en contact assez constant, tous. Certains d'entre nous plus que [cela, même]. Je suis le parrain du fils d'Allison Case. Nous sommes tous une famille et c'est de nombreuses manières le premier job le plus chanceux de votre carrière. C'était parfait et rien ne sera jamais aussi parfait. Certains emplois sont un emploi et vous [les prenez] parce que vous avez besoin d'argent ou de semaines d'assurance. Que ce premier [emploi] soit aussi parfait est vraiment inhabituel et je me sens incroyablement chanceux chaque minute de ma vie pour cela.
Même en tant que spectateur, cela ressemblait à un tel moment doré à ce théâtre. Je ne peux pas entrer dans le Hirschfeld sans me souvenir de Hair et aussi de me souvenir de Jim Rado étant là beaucoup.
Jim était là tout le temps. Même Galt MacDermot était là. Son fils jouait dans notre groupe. Jim et Galt étaient là avec nous.
Bryce Ryness, qui jouait Woof, sa fille est née au cours des premiers Hair, et elle part en université l'année prochaine. Les enfants de Megan Lawrence sont maintenant totalement [adultes] dans le monde. Regarder ces enfants grandir et devenir des personnes pleines est incroyable. Et maintenant nous avons perdu Galt et Jim et Gav et Michael McDonald, notre incroyable costumier. Il y a eu de nombreuses occasions de nous rassembler, dans la joie ou la tristesse. Tout cela vous rapproche. C'est ça, être en vie.
Je dois demander spécifiquement à propos de The Wild Party, parce que je suis une fille de LaChiusa Wild Party. J'ai vu cela deux fois au Encores!, c'était tellement brillant. C'est de quelqu'un qui a obtenu l'enregistrement du casting pour Hanukkah à l'âge de 14 ans et l'a usé. J'ai tellement adoré la production de Encores ! Quelle a été votre expérience avec ce spectacle avant d'en faire partie ? Et comment était-ce de créer ce monde sur scène ?
Je vais être honnête, j'étais un gars de Lippa. J'espère que nous pourrons toujours être amis. J'étais un gars de Lippa à cause de l'école secondaire. J'ai grandi dans l'Ohio [et] j'étais membre d'un groupe appelé la troupe de cabaret, une activité parascolaire, qui était comme un choeur de spectacles [mais] pas tout à fait. Nous faisions deux spectacles par an [de] mélodies contemporaines de Broadway. Notre directeur était allé au collège avec Julia Murney, donc nous étions sur ce Lippa [Wild Party] dès que cet album est sorti. Nous chantions “Raise the Roof” [et] “Life of the Party” [immediately]. J'ai convaincu de m'autoriser à faire “What Is It About Her” à ce spectacle. J'étais un véritable fan de Lippa [Wild Party]. Je le suis toujours. Je pense que cette partition est géniale. J'adore cette partition.
Moi aussi. Je sais que la compétition est une blague, mais j'aime aussi Lippa Wild Party.
À un moment donné, quelqu'un a dit : “[Saviez-vous] qu'il y a une autre version ?” Et j'étais comme : “De quoi parlez-vous ? !” Je suis allé chez Borders et j'ai obtenu l'album de LaChiusa. À ce moment-là, j'avais 17 ans ou quelque chose comme ça. [La] compétition ! J'étais comme : non, je suis un gars de Lippa. C'était ainsi que je m'identifiais. C'est comme toutes ces personnes ridicules qui se disputent sur Madame Rose dans Gypsy. Vous pouvez aimer beaucoup de choses ! Je ne savais pas à 17 ans que vous pouvez aimer beaucoup de choses.
J'ai un peu écouté [LaChiusa Wild Party]. Je me disais : ça semble un peu intéressant. Michael McElroy venait de ma ville natale, donc c'était cool qu'il soit dedans. Mais c'était un peu tout. Je suis resté là-dessus. Tous les quelques années, je me disais : de quoi s'agissait-il au juste ? Et je l'écoutais à nouveau. À mesure que je vieillissais, mes goûts devenaient un peu plus sophistiqués ou plus variés, du moins, et je le remettais sur et [je pensais] : il se passe des choses intéressantes ici. Ce n'est définitivement pas aussi facilement accessible que le Lippa lors de la première écoute— du moins pour mes oreilles adolescente de l'Ohio—mais je l'aimais. Ce n'était pas jusqu'à ce que j'y participe que j'ai réellement pu faire le grand plongeon qui à ce point, était bien trop tard. Et wow, est-ce que je suis tombé amoureux de ça. C'est une partition époustouflante. La profondeur, la complexité et l'invention de celle-ci, tout en restant également extraordinairement mélodique, est incroyable. [Le spectacle] est incroyable.
[Quand] j'ai entendu qu'ils faisaient The Wild Party, je savais que la version de LaChiusa avait ces personnages Gold et Goldberg que la version de Lippa n'a pas. J'ai appelé et supplié mon agent [de m'accorder un rendez-vous] et étrangement, les étoiles se sont alignées. C'était comme un miracle. Je ne pouvais pas y croire. C'était vraiment l'une de mes expériences de performance préférées de toute ma vie. Vraiment l'un des meilleurs moments que j'ai jamais eu.
Ça se ressentait sur scène. On pouvait sentir la passion pour cela.
Je rigolais à propos de ma femme appelant ma piste [dans Giulia : La Reine du Poison de Palerme] une piste Andrew Kober et c'est vraiment le cas. Et j'adore une piste Andrew Kober ! [Mais] je n'ai jamais l'occasion de jouer un seul type. Dans Wild Party, non seulement j'étais un seul gars pendant tout le temps, il y avait une heure et 15 minutes [entre] l'entrée à la fête et la sortie de la fête. Je suis habitué à [être sur scène pendant] 40 secondes puis vous changez de perruque et vous revenez [en tant qu'autre personne]. Donc, d'avoir l'opportunité de [jouer] un gars avec un tas de gens que je connaissais déjà et que j'aimais et de vraiment investir cet espace pendant une heure et 15 minutes de la fête était incroyable. C'était le plus chanceux que je me sois jamais senti. C'était fou que cela se soit produit. Je suis tellement content que vous l'ayez vu. Je l'ai adoré.
Je l'ai vu deux fois parce qu'il était si ingénieusement mis en scène [par Lili-Anne Brown] et créé par vous tous, la façon dont la fête se déroulait, que je [devais le revoir]. Je me souviens de cette interview avec George C. Wolfe d'il y a des décennies qui parlait de la façon dont lui et LaChiusa voulaient à l'origine que le spectacle dure des heures et des heures où vous pourriez simplement entrer et sortir et que tout le monde est encore à la fête. Cet esprit se manifestait pendant cette production. Personne ne distrayait ou ne tirait l'attention mais c'était si réel, le portrait de ce qui se passait à la fête, [partout] sur la scène.
C'est une excellente pièce pour Encores ! parce que le processus est si restreint. Ils ne pouvaient vraiment répéter que ce sur quoi le focus de la fête était à un moment donné. Nous n'avions pas le temps de structurer soigneusement tout cela. Ça s'est donc formé de manière assez organique autour de ce qui se passait, ce qui a permis de le faire paraître naturel et cool, comme une vraie chose vivante et respirante. Je ne peux pas me remettre des performances dans ce spectacle non plus. Jasmine [Amy Rogers] et Jordan [Donica], vous rigolez ?!
Incroyable.
Incroyable !
Incroyable.
C'est aussi la seule chose pour laquelle j'ai jamais dû appeler ma mère et lui retirer une invitation.
Oh non !
Après avoir mis en scène la séquence “Gin/Wild”, j'étais comme :
