Interview: Mariela Aragón Chiari of ENTRAÑABLE at Teatro Sala Bruja

Mariela Aragón Chiari tiene algo esotérico en su forma de hacer teatro y performance. Recientemente hemos disfrutado de su actuación en Entrañable , la segunda parte de la trilogía Aquellas feroces obscenidades , del dramaturgo Diego Fernando Montoya. A diferencia de su antecesora ( Siempre era noche) esta obra se desarrolla de una manera que invita a la familiaridad en lugar de la introspección, no en vano la acción transcurre en una cocina, que es un ambiente arquetípico para el compartir las emociones familiares. Mariela Aragón Chiari no nos hace participes de la acción casual de cocinar, sino que lo vuelve un ritual donde actriz y espectador intercambian esa esencia poética. Así es la la dramaturgia de Diego Montoya: transformar lo cotidiano en onírico. Y así es también el arte de Mariela Aragón Chiari: transformar la actuación en metafísica.

Broadway World : ¿ Cómo fueron sus inicios en el teatro y en la performance?

Mariela Aragón Chiari: Conocí el Teatro gracias a mi profesor de literatura de sexto año, Jesús Canto. Nos invitó a mí y otras dos compañeras a participar en una obra costumbrista de la que él mismo era creador, director, productor y actor. Para mí pisar el escenario fue amor a primera vista.

La performance ha sido más un proceso continuo de observación y riesgo. De salir de la zona de confort del teatro hacia otros lenguajes. Influyeron mucho un grupo de artistas plásticos amigos con los que pasaba largas horas de tertulia y aprendizaje sobre arte, filosofía y la vida en general

BWW: Venimos de disfrutar del pasado Festival Nacional de Teatro, en su séptima versión. Allí tuvo la oportunidad de brindar un taller de expresión vocal. ¿ Puede comentarnos sobre esta idea interesante de explorar el placer en el texto cómo una vía de esa expresión vocal?

MAC: Voy a contestar esta pregunta a través de la forma en que me siento como espectadora cuando voy algunas veces al teatro, a veces escucho palabras muy lindas, escucho textos muy buenos , muy profundos pero percibo a los actores completamente desconectados de lo que dicen: de lo que está diciendo su personaje y de lo que está pasando en escena. Hay memoria, hay la corrección de la dicción en la mayoría de la gente, en la mayoría de los casos ,pero falta esa conexión real con el personaje y con sus circunstancias y con lo que está diciendo (cómo se dice eso). Entonces la propuesta , no solo mía sino de mi maestra Catherine Fitzmaurice, la creadora de la Técnica Fitzmaurice, es encontrar ese estado de presencia y de organicidad en lo que se dice también, de estar allí como cuando estas muy emocionado en la vida y la voz te sale de una cierta manera y tus palabras también salen de una cierta manera. Entonces los actores deberíamos ser capaces de hacer eso, y eso es algo que nos debe gustar , que debemos provocarnos, ese placer no hedonista no simplemente de regodeo egoico , de escuchar mi voz lo linda que suena ,sino de entrar a las profundidades emocionales que el texto , que el autor pide, a veces no te lo pide el director, pero está allí , está en la situación , en lo que está pasando . Esa fue la propuesta de aquel taller y fue como jugar mucho, y no es que todo fue risas y todos los textos fuesen lindos, sino también gozarte que tu personaje o el texto proponga que te enojes o que estés muy triste , o que la estés pasando muy mal pero sepas puedes hacer eso, que se puede internar en todas las dimensiones de tus emociones, salir de allí y cumplir con el propósito de contar esa historia con todos sus matices , y la voz humana (y la voz en el teatro) es uno de esos matices , vuelvo a repetir: no esas voces acartonadas , engargoladas, así todas impuestas sino que está presente y eso vale también para todos los seres humanos dentro o fuera del escenario.

BWW: ¿Puede comentarnos un poco de Entrañable y del impacto que tuvo esta obra en usted cómo actriz?

MAC: Entrañable llego en un momento en que estamos saliendo de pandemia y pasamos de esa sequía de público ( para hacer teatro propiamente debe haber ese contacto persona a persona, artista y espectador). Para mí, interpretar esta obra es un regalo. Cuando Diego Fernando Montoya nos propone a mí y a otros dos actores esta trilogía (Aquellas feroces obscenidades) que habla de una misma familia pero que en el contexto de la dramaturgia de Diego Fernando Montoya son independientes pese a estar en el mismo universo literario. Entonces fue una experiencia maravillosa primero por ese reencuentro con el público y segundo con reencontrarme con un texto que evoca una realidad muy dura y asumir la responsabilidad de ese texto y no convertirlo en una "telenovela" , sino hacerle justicia a ese personaje y contar esa historia con toda la dignidad posible. Fue una obra exigente y que me obligó a salir de mi zona de confort.

BW: Conversamos la vez pasada con Maritza Vernaza ( quien interpretó "Siempre era noche" la primera parte de "Aquellas feroces obscenidades") acerca del efecto sanador del teatro y la performance. ¿ Que más puede profundizarnos de ésta idea en su experiencia?

MAC: A riesgo de sonar un poco esotérica (risas) pero yo no escojo a los personajes o lo que hago sino que eso llega a mi vida , y por una razón en particular. Al principio me daba cuenta que después de las cosas que pasaban en la obra o con el tema (risas) tocaba algún aspecto o parte de mi vida que necesitaba ser revisada. Luego fui un poco más consciente de eso, sin embargo nunca he buscado hacer eso ( teatro terapia o arte terapia), yo acepto las obras o me propongo una obra porque tocan y mueven algo en mí, entonces los hago. Entonces en ese ser o apenas conversando con alguien me doy cuenta de la profundidad de esas cosas. Muchas veces no es un proceso consciente pero si me doy cuenta del potencial "reparador" que tiene el teatro (como arte ) y allí valen los temas que elijamos, los personajes de los que queramos hablar, la forma en la que hagamos los montajes para que entonces tenga algún efecto también benéfico en la gente.

Pero también usar la experiencia del teatro con gente ajena al teatro , usar las herramientas y el trabajo creativo en equipo, o simplemente explotar tu creatividad y pasar de ser un personaje a otro , eso es profundamente sanador. Lo he usado también a lo largo de mi carrera en talleres y clases, en mi trato con la gente ¡ lo que propongo siempre tendrá una base en el teatro!

BW: ¿ Hay alguna obra o performance que haya marcado su carrera hasta ahora, y por qué?

MAC: ¡Le tengo especial cariño a todas !(risas) Todas las obras ,todos los personajes que he encontrado en el teatro, performance o cine, todos como dije antes llegaron en un momento especial de mi vida. Hay experiencias en general de montajes que no sé si me marcaron pero en medio de las cosas me di cuenta de su significado. Por ejemplo cuando trabajé en Teatro Lagartija e hicimos una obra con Aristides Vargas y Charo Frances , y en medio de todo me cuenta que estaba cumpliendo un sueño (siempre había deseado trabajar con ellos) y eso fue muy emocionante. Haber trabajado con directores que me han sacado de mi zona de confort de maneras muy cuidadosas y muy amorosas, en vez de haber pasado esa etapa de "sufrimiento" ,en la que algunos creen, se hace teatro...pero no. Haber hecho teatro con y para niños con Carilimpia , eso fue emocionante, un descubrimiento maravilloso.

En cuanto a performance han habido experiencias donde la reacción del público ha sido muy tenaz. La última vez que hice Lavar es amar si me costo mucho, sentí el peso (emocional): mucha responsabilidad, mucho dolor , mucha rabia mientras estaba en el proceso de lavar , colgar y terminar esa pieza, que he decidido transformarla en otra cosa , porque no se si seria capaz de producirla como la estaba haciendo , creo que no quiero hacerla así, quiero crear algo que sea un poco más visible, que sea como un homenaje o una protesta y que tenga más visibilidad.